date de création
5 mai 1999

dernière mise à jour --
21 mai 2017

 
LES PRESSES DU RÉEL (France)
http://www.lespressesdureel.com/


COMPILATION 
L'EXPÉRIENCE DE L'EXPÉRIMENTATION
livre, 268 pages
Réf : 9782840667216
24,00 €
Edité par Matthieu Saladin. Textes de Jean-Yves Bosseur, Pierre-Albert Castanet, Bertrand Denzler, Bastien Gallet, Jean-Luc Guionnet, Fabien Hein, Michel Henritzi, Tom Johnson, Eric La Casa, Lionel Marchetti et Matthieu Saladin. Un point sur les pratiques sonores expérimentales aujourd'hui. Le XXe siècle a été le théâtre d'une recherche intense et plurielle dans le champ musical, remettant sur le chantier l'ensemble des normes qui structuraient et définissaient la nature même de la musique : du futurisme à la noise, en passant par l'improvisation, la poésie sonore, l'électroacoustique, la live electronic music, ou encore l'installation sonore, furent ainsi reconsidérés les rapports entre musique et bruit, musiciens et non-musiciens, à l'espace et au langage, les notions de forme et de temps musical, les modalités de la création sonore, tout comme sa relation avec le quotidien et les autres arts. Si l'expression ' musiques expérimentales ' a pu désigner durant la seconde moitié du XXe siècle Ð et plus particulièrement dans les pays anglo-saxons Ð les recherches effectuées principalement dans une filiation diffuse avec l'esthétique cagienne, elle semble aujourd'hui beaucoup plus large, embrassant toute pratique se développant sur le terreau fertile des expériences musicales du siècle dernier, mais aussi sous l'influence des musiques populaires. Les contributions réunies ici Ð écrits d'artistes, recherches universitaires ou essais critiques Ð ont valeur d'introspection de cette diversité, tout du moins d'une partie. Elles abordent tour à tour les notions d'expérience et d'indétermination, les rapports au bruit et au territoire, l'esthétique minimaliste et l'improvisation, le field recording, l'électroacoustique et l'électronique, l'approche conceptuelle, l'influence du metal, ou encore la place du son dans le champ de l'art contemporain, dessinant dans leur articulation les contours de ce que peut être l'expérience de l'expérimentation. Publié suite au cycle de conférences éponyme organisé par les Instants Chavirés durant toute l'année 2011. Matthieu Saladin, artiste et musicien, vit et travaille à Paris. Sa pratique s'inscrit dans une approche conceptuelle de l'art, réfléchissant, à travers un usage récurrent du son, sur la production des espaces, l'histoire des formes et des processus de création, ainsi que sur les rapports entre art et société du point de vue économique et politique. Il est maître de conférences en arts sonores à l'université Paris 8, membre de l'équipe TEAMeD au sein du laboratoire Arts des images et art contemporain (AI-AC) et chercheur associé à l'institut ACTE (université Paris 1 Ð Panthéon Ð Sorbonne, CNRS UMR 8218). Sa recherche théorique porte principalement sur l'art sonore et les musiques expérimentales. Il codirige la collection Ohcetecho aux Presses du réel, participe aux comités de rédaction des revues Volume! et Revue et Corrigée, et est directeur de rédaction de la revue de recherche Tacet.
COMPILATION 
FLUXUS DIXIT. UNE ANTHOLOGIE VOL. 1
livre, 288 pages
Réf : isbn 2840660725
20,00 €
Pour la première fois en France, un ensemble d'écrits d'artistes Fluxus est publié, démontrant l'ampleur et la variété paradoxale de cette mouvance increvable depuis 1962 (date de sa fondation à Wiesbaden). Son initiateur, Maciunas, mort en 1978, bouleverse l'ensemble des arts, dont il critique la suffisance. Héritier de Dada, du futurisme et du constructivisme, Fluxus ébranle l'édifice culturel en favorisant le jeu, l'interaction, les arts populaires anonymes, l'attitude et l'esprit. Textes de Maciunas, Ben, Brecht, Paik, Filliou, Higgins, Vostell, Williams..., réunis et présentés par Nicolas Feuillie.
COMPILATION 
RAOUL HAUSMANN ET LES AVANT-GARDES
livre, 512 pages
Réf : 9782840666530
26,00 €
Paru en février 2015. Édition française. 17 x 24 cm (broché). 512 pages (80 ill. n&b).
Edité par Timothy Benson, Hanne Bergius, Ina Blom. Textes de Timothy Benson, Hanne Bergius, Ina Blom, Jean-François Chevrier, Bertrand Clavez, Michel Giroud, Andreas Haus, Adelheid Koch-Didier, Ghislain Lauverjat, Arndt Niebisch, Pascal Rousseau, Adrian Sudhalter, Hubert Van Den Berg & Lidia Głuchowska, Michael White.
“Comment la production multiple de Raoul Hausmann, figure centrale de Dada, a contribué à façonner l’art de la modernité.
Dadasophe, anarchiste, photomonteur, constructeur, poète, danseur, photographe, écrivain, Raoul Hausmann est d’abord connu comme une figure centrale de Dada. Ses contributions artistiques résonnent néanmoins dans de nombreux développements et concepts d’avant-garde à travers le XXe siècle (Lettrisme, Nouveau Réalisme, Fluxus, Situationnisme [sic] ...).
Cet ouvrage vise à explorer comment la production multiple de Hausmann a contribué à façonner l’art de la modernité, ainsi qu’à repérer ses traces dans les diverses théories et pratiques depuis les années soixante. Le récent inventaire des archives conservées au musée départemental d’Art contemporain de Rochechouart offre l’occasion d’apporter une lumière nouvelle sur la complexité de la personnalité d’Hausmann, la faculté de son approche à dépasser les frontières traditionnelles et l’étendue de ses contacts. Naviguant entre l’art et la vie, l’art et la science, le rationnel et l’expressif, Hausmann se réinvente constamment mais il réinvente aussi l’histoire et notre façon de regarder le passé. Cette publication considère le vaste champ des pratiques « dadasophiques » d’Hausmann - invention constructiviste, poésie sonore et visuelle, écriture, photographie, photomontage, performance, danse, conscience cinématique, théorisation historiographique - et leurs ramifications chez d’autres artistes.
Publié suite au colloque international éponyme organisé par l’INHA, Paris, en novembre 2008.
Raoul Hausmann (1886, Vienne - 1971, Limoges) est l’un des principaux fondateurs, avec Richard Huelsenbeck, du mouvement Dada à Berlin en 1918. À la fin de la Première Guerre mondiale, il se lance avec ses camarades dans une redéfinition complète de l’art. Hausmann est alors un des inventeurs du photomontage et un initiateur de la poésie sonore. Au-delà de son iconoclasme affiché, Dada remet en cause les cloisonnements artistiques et la frontière entre l’art et la vie, ouvrant pour la création du XXe siècle un chantier encore inachevé. En 1933, Hausmann doit fuir l’Allemagne nazie. Après un périple européen, il trouve refuge en Limousin (Peyrat-le-Château) avant de s’installer en 1945 à Limoges où il résidera jusqu’à son décès en 1971.
Carlotta DARO 
'Avant-gardes sonores en architecture'
livre, 208 pages
Réf : 9782840664703
24,00 €
Une histoire, marginale ou méconnue, des rapports entre l'architecture et l'espace sonore, des origines de la problématique de la dimension sonore de l'architecture dans l'antiquité aux nombreuses questions culturelles, techniques, artistiques et sociales actuellement posées par les expériences liées au 'paysage sonore', en passant par les avant-gardes musicales (et certaines productions de la culture populaire) du XXe siècle. L'étude de notions telles que l'ambiance et le soundscape touche à des problématiques qui questionnent d'une part la 'matérialité' du son, et d'autre part les effets atmosphériques en architecture. Le progrès des technologies électro-acoustiques et du contrôle environnemental sont à la base de ces transformations dans la perception classique du son et de l'espace bâti. De Adolf Loos à Archigram en architecture, de Erik Satie à R. Murray Schafer en musique, en passant par Nicolas Schöffer et Experiments in Art and Technology en art, les réflexions et les recherches expérimentales des avant-gardes ont par ailleurs souvent précédé les effets de la technologie elle-même, et préparé le terrain pour des changements culturels profonds. Carlotta Darò est maître assistante à l'Ecole Nationale Supérieure d'Architecture Paris-Malaquais et membre du Laboratoire Infrastructure Architecture Territoire. Ses recherches explorent l'impact des technologies du son, des infrastructures de la télécommunication et des médias dans la théorie architecturale et urbaine du XXe siècle. Elle a été chercheur invité au Centre Canadien d''Architecture (2008) et boursière Mellon à l'Université de McGill (2009-2011). Elle a aussi travaillé en tant que commissaire d'exposition et journaliste spécialisée en architecture. Conception graphique : Nicolas Bardey. Édition française. 13 x 17 cm (broché, jaquette américaine, couv. en affiche pliée). 304 pages (21 ill. coul. et 28 ill. n&b).
Thierry DAVILA 
'Pascal Broccolichi - Cartographie de l'inouï'
livre, 208 pages + CD
Réf : 9782840664376
25,00 €
Édition bilingue (français - anglais). Monographie de référence dédiée à un artiste dont le travail s'établit à partir du son, envisagé comme une matière, avec une centaine d'illustrations, un essai de Thierry Davila, un long entretien et une pièce inédite sur CD audio. Évoluant dans différentes disciplines, le travail de Pascal Broccolichi prend sa source dans une approche focalisée sur l'écoute, et tout particulièrement dans le son envisagé comme un vocabulaire de formes qui se prêtent à la création d'installations. Comme cadre pour sa recherche, l'artiste a développé un réseau d'environnements multiples liés par des relations continues entre une œuvre et la suivante. En exploitant les principes habituels de certaines lois acoustiques et leur champ d'application technologique autour de l'espace d'exposition, Pascal Broccolichi coordonne la typologie des sons avec nos capacités de perception. Historien de l'art, philosophe de formation, également commissaire d'exposition, conservateur au Mamco, Thierry Davila est l'auteur de nombreux ouvrages sur l'art contemporain (L'Art médecine, RMN, 1999, Marcher, créer. Déplacements, flâneries, dérives dans l'art de la fin du XXe siècle, Éditions du Regard, 2002, In extremis. Essais sur l'art et ses déterritorialisations depuis 1960, La lettre volée, 2009, De l'inframince. Brève histoire de l'imperceptible de Marcel Duchamp à nos jours, Éditions du Regard, 2010).
Charles DREYFUS PECHKOFF 
'Fluxus - L'Avant-garde en mouvement'
livre, 240 pages
Réf : 9782840664628
20,00 € ^
Préfaces de Michel Giroud et Louis Ucciani. Entretiens avec George Maciunas, Wolf Vostell, Dick Higgins, Nam June Paik, Wolf Vostell, Yoko Ono, Ben Vautier, Ben Patterson... L'histoire de Fluxus par l'artiste performer, poète et historien de l'art, à la fois théoricien du mouvement d'avant-garde et acteur lui ayant donné un prolongement singulier (essai et entretiens). Cet ouvrage attendu arrive alors que Fluxus fête ses cinquante ans. Son originalité se situe dans le fait que le lecteur peut dialoguer avec les créateurs de ce mouvement devenu mythique. Il contient un document exceptionnel : la première interview de George Maciunas, qui n'en a réalisées que trois. Nous passons de la prosopographie des acteurs, aux actions qu'ils étaient en train de réaliser. Pour les lecteurs contemporains, cela les plonge dans l'immersion des choix et de la compréhension d'une avant-garde. Cet ouvrage se situe entre la subjectivité de Fluxus et l'objectivité qui est celle posée par l'histoire de l'art : sur la définition d'une avant-garde des ' terribles ' années 1960 et les interrogations épistémologiques que pose Fluxus à l'art contemporain. 'Ce livre est un témoignage d'entrecroisements transhistoriques, conséquences de conséquences dans l'espace et dans le temps, 'sérieusement' formidable'. Michel Giroud Charles Dreyfus (né en 1947 à Suresnes, vit et travaille à Paris) est un produit de Fluxus. Il a connu Maciunas en 1974 à New York alors qu'il était thésard en histoire de l'art. Il a ' flairé ' l'importance de Fluxus pour l'histoire de l'esthétisme. Docteur en philosophie, poète, artiste-plasticien, performeur et critique d'art, ses expressions artistiques sont imprégnées par l'art comme concept. Son œuvre entière ramène le spectateur vers la métamorphose d'une apparence à une idée, en lui permettant d'y trouver son sens métaphorique. Édition française, 17 x 24 (broché), 240 pages.
François DUFRÊNE 
'Tombeau de Pierre Larousse'
livre, 96 pages
Réf : isbn 2840660539
8,00 € ^
Un écrivain méconnu, rarement publié, mais qui bouleverse l'écriture dans les années 1960/80 en construisant un texte sur le jeu allitératif digne des grands rhétoriqueurs. L'excès allitératif à double sens perturbe la langue et la communication. Dufrêne, d'abord poète lettriste puis ultra-lettriste, est de toutes les aventures avec le Nouveau Réalisme et la poésie-action. Burlesque, hilarant, il trouble le bon fonctionnement du langage, en trouant le sens. Ce poème publié en 1967 dans la revue Grammes est édité 45 ans plus tard.
Morton FELDMAN 
'Écrits et paroles'
livre, 464 pages
Réf : isbn 9782840662501
19,00 € ^
'Cette publication inaugure aux Presses du réel la collection Fabula, dirigée par Alexandre Laumonier, dans la continuité éditoriale des éditions Kargo, qu'il a dirigées de 2000 à 2008, en ce qui concerne les domaines des arts et de l'esthétique, de la musique ou de l'anthropologie. Le compositeur américain Morton Feldman (1926-1987) est une figure majeure de la musique contemporaine. Pionnier, avec John Cage, de la musique indéterminée et aléatoire, ses pièces instrumentales sont souvent prévues pour des groupes inhabituels d'instruments et font l'objet de systèmes de notation musicale expérimentaux. Morton Feldman occupe une situation très singulière dans la création musicale contemporaine américaine. Délibérément à l'écart des modes et des systèmes d'écriture développés à partir des années 1950, il se fraye un chemin qui le conduit à sonder toujours plus en profondeur la dimension contemplative de l'écoute et à appréhender la fluidité temporelle inhérente au phénomène musical. Les écrits de Feldman représentent non seulement un lieu de confrontations entre la musique et les arts plastiques, mais aussi une forme de soliloque où l'on perçoit des préoccupations que plusieurs générations d'artistes ont partagées. Ainsi, ce musicien solitaire et paradigmatique aura-t-il répandu autour de lui ce que l'on pourrait appeler une éthique personnelle : la conviction qu'en art en général, et en musique en particulier, chaque projet, chaque initiative est à creuser, à la condition de mettre en œuvre une exigence sans compromis idéologique. Cette édition refondue rassemble les écrits et conférences du compositeur, sur sa vie, son travail, ses techniques de composition et d'écriture, ses rapports à Varèse, Boulez, Stockhausen, Cage, Stravinsky, mais aussi à Rauschenberg, De Kooning, Rothko ou Mondrian, ses réflexions philisophiques, ses entretiens avec Iannis Xenakis ou Françoise Esselier, une étude monographique complète de 150 pages de Jean-Yves Bosseur sur son œuvre ainsi que des témoignages de Steve Reich et Joan La Barbara.'
Bruno FERNANDÈS 
'Vocations de l'ombre - Haino Keiji - Une autre voix/voie du rock'
Livre, 304 pages + CD
Réf : 9782840668114
35,00 € ^
Paru en mars 2017, édition française, 17 x 24 cm (broché), 304 pages (ill. n&b).
Première monographie sur le troubladour électrique du rock underground japonais Keiji Haino, avec un CD d’inédits (Haino solo & Fushitsusha).
Haino Keiji s'active depuis plus de 40 ans comme chanteur et guitariste sur la scène des musiques underground issues du rock au Japon. Son style sombre et enflammé, son travail extrémiste sur la voix et la guitare électrique, sa poésie noire, lui ont valu une réputation d'ange maudit du rock japonais. Durant des années, il resta une figure discrète, voire obscure, mais à qui ses fans vouaient un culte. Au-delà d’une notoriété désormais grandissante, reconnu depuis peu comme une figure majeure des scènes d'avant-garde, Haino demeure toujours sur la crête, entre ignition et déséquilibre, évitant tout compromis. Il fut celui qui redonna sa force subversive aux énergies rock, les transmutant en une forme de poésie calcinée jusqu'alors inconnue. Son art, à la fois physique et spirituel, son jeu de scène quasi-chamanique, l'ont amené à collaborer avec de nombreuses figures de la contre-culture dont des artistes du corps rebelle comme des danseurs butō ou des performers.
La part vocale de son engagement est moins remarquée, mais charpente pourtant la base sensible de sa musique. Cette orature en clair-obscur des lyrics de Haino Keiji constitue un métablues poétique somptueux qui vaut également la peine d'être entendu et lu, en deçà et au-delà de l'aspect radicalement scénique de son art.
Cette présentation est la première monographie consacrée à Haino Keiji.
Figure légendaire de la scène musicale underground japonaise, Keiji Haino (né en 1952 à Chiba, Japon, vit et travaille à Tokyo) développe un style de musique hybride, convoquant les genres du rock, de l'improvisation libre, du noise, de la percussion, du psychédélisme, du minimalisme et de la musique drone. Membre principal des groupes cultes Fushitsusha et Lost Aaraaff, Keiji Haino a également collaboré avec Boris, les Melvins, Jim O'Rourke, Oren Ambarchi, Peter Brötzmann et Steve Noble.
Bruno Fernandès (né en 1959) est chercheur indépendant, ancien des Langues'O. Une expérience de terrain, comme musicien improvisateur (percussions), au contact de l'underground japonais (free rock, noise, butō, performances) l'incitera à s'engager dans une recherche sur l'histoire des contrecultures japonaises. A publié la première monographie en langue occidentale sur le groupe de happening Zero Jigen aux Presses du réel où il dirige la collection « Délashiné » consacrée aux contre-cultures japonaises du XXe siècle.
Luc FERRARI 
“Musiques dans les spasmes – Ecrits (1951-2005)”
livre, 236 pages
Réf : 9782840668527
22,00 € ^
Les presses du réel, domaine Arts de la scène & arts sonores, collection Arts sonores – Hors série. Edité par Brunhild Ferrari et Jérôme Hansen. Préface de Jim O’Rourke.
Introduction de Brunhild Ferrari. Entretien avec Luc Ferrari par Pierre-Yves Macé et David Sanson. 17 x 24 cm (broché), 236 pages (ill. coul. et n&b).
Le recueil de manuscrits, pour la plupart inédits, de Luc Ferrari (1929-2005), pionnier de la musique concrète et l’un des plus libres penseurs de la musique contemporaine.

“Ce recueil de manuscrits s’étend sur les différentes périodes de la vie du compositeur Luc Ferrari, né à Paris en 1929. Il comprend des notes, des correspondances et des réflexions sur son travail, ainsi que des témoignages sur ses expériences, ses rencontres. Il révèle des confidences contenues à l’intérieur même de ses partitions et celles cachées dans ses journaux et restées secrètes vers l'extérieur. Plus de dix ans après la disparition de Luc Ferrari, ses archives de pensées écrites deviennent enfin accessibles. Bien que cette démarche puisse sembler quelque peu indiscrète, taire ces réflexions intimes serait trahir son auteur.” Brunhild Ferrari
Michel GIROUD 
'Le Musée des Muses Amusées (MMAM) Imperium Asinum Magnificum (IAM) selon la Poésie Totalement Totale (PTT)'
livre, 328 pages + CD audio + DVD vidéo
Réf : 9782840666448
30,00 € ^
Un musée réel, potentiel et fictif par Michel Giroud : une vaste archive (textes, manifestes, poèmes schémas, notes, plans, diagrammes, photos d'objets...) des activités interactives et ludiques menées par l'inventeur d'innombrables cercles et clubs depuis les années 1970 (Secret Art Service, Radio TV Coyote, Institut de Poésie Totalement Total, Université Nomade, Mille voies / 1000 voix, etc.), conséquence des visions de Fourier, de Filliou, de Broodthaers et de toutes les expérimentations des avant-gardes depuis Mallarmé, Jarry et Satie.
Ce livre estrange est un voyage du Musée des Muses Amusées (MMAM) inventé (une fiction illuminée) vers la fin des années 80 et construit, in Alpina (Massif de Belledonne), en l'an 2000, avec ses bibliothèques, ses archives, ses objets, ses arrangements et dispositifs, ses tableaux, dessins et schémas, ses dessins, ses collections bizarres. Cet ensemble ouvert (non limité à son site alpin, qui en est la centrale fondatrice) constitue le fonds poï (poï) étique extensible (théorique et historique) d'un empire invisible et magnifique, l'Imperium Asinum Magnificum (IAM), élaboré durant quasiment un demi-siècle de tâtonnements selon les principes de la Poésie Totalement Totale (PTT), définitivement fixés vers 1985. Cet ouvrage est composé (partition / scénario) sous la forme de l'ébauche d'un poème épique de la Kazba Del Mundo (KDM) : une suite de voyages divagatoires, d'abord dans le musée alpinique (avec ses 14 bureaux) puis en Isère et tout autour de la France (le MMAM se promène au gré des rencontres avec ses morceaux choisis et / ou trouvés sur place), avec quelques excursions in Europa. Ce livre est une poématique, déjà une véritable machine multiplicatrice de rencontres fortuites mais potentielles (avec un CD et un DVD et suite sur le net), selon la méthode extravagante de la patataphysique (PTT), avec ses 14 cercles et clubs plus ou moins fictifs. Les Muses s'amusent ! Homo Ludens, vive le Furieux Fou rire de Fourier, selon l'Os à Moelle de Rabelais, dans l'île d'Abraxas !
Michel Giroud, peintre oral et tailleur en tout genre, historien et théoricien des avant-gardes (Dada, Fluxus et Cie), fondateur d'entreprises (Kanal, MMAM, IAM, PTT), dirige la collection L'écart absolu aux Presses du réel, avec la volonté de construire la poésie totalement totale (de Fourier à Filliou en passant par Proudhon, Brisset, Satie...).
Édition française, 17,5 x 23,5 (relié).
David GRUBBS 
'Les disques gâchent le paysage'
livre
Réf : 9782840667001
26,00 € ^
Le rôle de l'enregistrement sonore et l'évolution des pratiques d'écoute dans la représentation de la musique expérimentale depuis les années 1960 : une enquête menée à partir d'un vaste travail d'archive, d'une expérience directe avec des artistes de différents horizons et d'une approche pluridisciplinaire de l'œuvre de John Cage et des avant-gardes, qui ouvre des perspectives inédites dans les champs de la musicologie historique, des études des musiques populaires, de la production phonographique et de la performance expérimentale. Le mépris de John Cage pour les disques était légendaire. Le compositeur n'a cessé d'affirmer que la musique enregistrée était antithétique à son œuvre. Dans Les disques gâchent le paysage, David Grubbs soutient que, à la suite de Cage, les productions issues des musiques expérimentale et d'avant-garde apparues au cours des années 1960 étaient particulièrement inadaptées à la forme enregistrée. Parmi ces pratiques figurent la musique indéterminée, le minimalisme de longue durée, les partitions textuelles, les happenings, la musique électronique live, le free jazz et l'improvisation libre. Comment représenter par le disque de telles pratiques aussi résolument évanescentes ? À leur époque, seul un petit nombre de ces œuvres circulait sous forme enregistrée. À l'inverse, les auditeurs d'aujourd'hui découvrent cette musique, non seulement grâce à la flopée d'éditions et de rééditions LP ou CD, mais plus encore par le partage de fichiers et les ressources en ligne. Les auditeurs se familiarisent désormais à la musique expérimentale de cette époque à travers les documents enregistrés de compositeurs et musiciens qui, pour la plupart d'entre eux, reniaient l'enregistrement. Les disques gâchent le paysage trace les contours d'un paysage musical marqué par l'altération continue des pratiques d'écoute. Professeur au conservatoire de musique du Brooklyn College depuis 2005, écrivain, critique, David Grubbs (née en 1967) est avant tout connu comme musicien, d'abord guitariste et songwriter dans des groupes de post-punk (Squirrel Bait, Bastro), puis performeur et compositeur dans des contextes marqués par l'expérimentation, l'improvisation et l'usage de l'électronique. Il a réalisé une douzaine d'albums solo. Son œuvre se nourrit abondamment de collaborations, depuis le très influent duo Gastr Del Sol (avec Jim O'Rourke) jusqu'au trio récent avec Andrea Belfi et Stefano Pilia, en passant par la longue et fructueuse association avec la poétesse Susan Howe. Il a joué notamment avec Red Krayola, Will Oldham, Tony Conrad, Pauline Oliveros, Loren Connors, etc., et développe régulièrement des projets avec des artistes plasticiens tels que Anthony McCall, Angela Bulloch, Doug Aitken ou Stephen Prina. Traduit de l'anglais (américain) et introduit par Pierre-Yves Macé (titre original : Records Ruin the Landscape Ð John Cage, the Sixties, and Sound Recording, Duke University Press, 2014).
Dick HIGGINS 
'Postface'
livre, 192 pages
Réf : isbn 2840661101
11,00 € ^
'Dick Higgins (1938-1998), une des figures majeures de Fluxus, musicien, poète, chercheur, théoricien, artiste intermédia, éditeur, fonde en 1965 les éditions Something Else Press (consacrées à ses amis fluxus). Il publie ce premier essai en 1964. C'est un journal critique qui évoque le contexte dans lequel apparaît Fluxus entre 1959 et 1963. Il analyse sans ménagement les tendances de son époque et fustige les modes artistiques (Pop art, assemblage, Nouveau Réalisme), le Nouveau théâtre (le Living Theater), comme le style international en musique (musique concrète, musique électronique, Stockhausen et Cie). C'est un éloge de la pluralité, de la diversité et du foisonnement, favorables au ' bourgeonnement de cent fleurs ' et à l'éclosion ' d'un millier d'écoles de pensée ', pour les amateurs, contre l'aveuglement du professionnel. Higgins montre la particularité des poètes-artistes, qui depuis le romantisme allemand et anglais, ont refusé la séparation entre le sonore, le visuel et l'écrit. Fluxus reprend là l'héritage dada et l'augmente. Sont exposées les prémices de sa Théorie de l'intermédia (1965) publiée dans Fluxus dixit - Une anthologie en 2002 aux presses du réel'. Traduit et introduit par Nicolas Feuillie.
Joël HUBAUT 
'Re-mix épidémik. Esthétique de la dispersion'
livre, 320 pages
Réf : isbn 2840661608
32,00 € ^
'L'ouvrage réunit une documentation exhaustive sur l'activité de Joël Hubaut de 1970 à aujourd'hui, avec des commentaires de l'artiste pour les illustrations. Une multigraphie plutôt qu'une monographie. Joël Hubaut épidémique, en tout et partout, est une figure et une force excentrique dans le paysage de l'art contemporain en France : hors limite, irrégulier, à l'entrecroisement des domaines (dessinateur, peintre, vidéaste, chanteur, écrivain, organisateur d'événements, enseignant). C'est une entreprise proliférante qui zigzague en France depuis plus de trente ans. Si l'art est Action alors Hubaut est un actant qui construit des échanges et des interactions. Artiste trans-media, doué d'une énergie centripète et centrifuge, il est l'architecte mobile d'une chaotique trans-historique. Œuvre vivante en gestation permanente, Hubaut est devenu une entreprise de projets collectifs, en utopien rebelle à toutes les soumissions. On the road, avec Kerouac et Pelieu, Satie et Duchamp, Picabia et Beuys, Malevitch et Filliou, Pierre Dac et Rabelais, Fourier, Brisset, Artaud et Luca. Vociférateur burlesque, tendance carnaval, Guignol et Pinocchio, terrien et vivant. Cette première monographie donne le ton de la sarabande qu'il danse depuis 1972 et les divers témoignages tentent de cerner (avec ses commentaires) ses activités dispersives et mouvantes.' Textes de Joël Hubaut, Michel Giroud, Lise Guéhénneux, Patricia Brignone, Paul Ardenne, Pierre Restany, Arnaud Labelle-Rojoux. Préface de Sylvie Froux. Coproduit avec le FRAC Basse-Normandie.
Richard HUELSENBECK 
'En avant DADA'
livre, 80 pages
Réf : isbn 840660458
6,00 € ^
En avant dada de Richard Huelsenbeck est un premier bilan paru à Berlin, en 1920, en même temps que son Almanach dada (nouvelle édition fac-similé en 2005). Rien là de cultureux, mais un manifeste de l'instant présent contre l'engluement culturel officiel ou marginal dont on se gargarise, en 1920 comme en 2000. Richard Huelsenbeck est le co-fondateur en 1916, avec Hugo Ball (œuvre complète aux Presses du réel, en cours de publication), du Cabaret Voltaire et de Dada Zürich, puis l'initiateur, avec Raoul Hausmann, de Dada Berlin.
Richard HUELSENBECK 
'Almanach DADA !'
livre, 406 pages
Réf : isbn 2840661446
17,00 € indisponible ^
Reprint de la première anthologie dada (Erich Reiss Verlag, Berlin, 1920 ; Champ Libre, Paris, 1980), avec les chroniques zurichoises de Tzara, des manifestes et des documents. L'Almanach dada paraît à Berlin, été 1920, après l'exposition internationale dada de juin qui fut l'apogée et la chute du club dada berlinois : un procès, pour insulte à l'armée, condamna les organisateurs. Huelsenbeck, qui proclama le premier manifeste dada Berlin en 1918, dès son retour de Zurich (où il participe à la fabrication de dada avec Arp, Ball et Tzara), édite cette anthologie historique en allemand et en français : ce fut l'unique panorama international édité à cette époque. On y trouve, en particulier, la célèbre chronique zurichoise de Tzara qui brosse le tableau endiablé de la naissance de dada à Zurich. En 1966, Dick Higgins, associé à l'aventure Fluxus, fondateur à New York des éditions Something Else Press, republie en fac-similé l'ouvrage de 1920. En 1980, une nouvelle édition fac-similé paraît à Paris, aux éditions Champ Libre, avec tous les textes et notes en bilingue, comme une sorte de double, inversé. En 2005, cette édition historique est reprise en octobre, aux Presses du réel, dans la collection L'écart absolu, inaugurant la nouvelle série Fac-similé. Ce livre montre en quoi dada est synonyme d'insoumission, de désobéissance civile et de refus global des compromissions, pourfendant tous les -ismes et les diverses casquettes idéologiques. Pluriel, nomade, international (Zurich, Berlin, Paris, Bruxelles, Amsterdam, Anvers, Cologne, New York, Prague, Budapest, Vienne, Bucarest, Belgrade, Varsovie, Moscou, Tokyo, Milan), dada est sans drapeau, sans uniforme, singulier et volontairement idiot dans un monde absurde, encore et toujours absurde. Un éclat de rire dans le cauchemar mondial. Diogénique, rabelaisien, ubuesque et bouddhique burlesque. Richard Huelsenbeck est le co-fondateur en 1916, avec Hugo Ball (œuvre complète aux Presses du réel, en cours de publication), du Cabaret Voltaire et de Dada Zürich, puis l'initiateur, avec Raoul Hausmann, de Dada Berlin.
Brandon LABELLE 
'Live bootleg'
livre, 192 pages + CD
Réf : isbn 97828406623
20,00 € ^
'Édition bilingue (français-anglais) au format 13 x 17 cm (couverture en affiche pliée). Édité par Yvan Étienne, cette publication offre une vue d'ensemble des installations, des dispositifs sonores et des environnements de l'artiste-musicien expérimental. Trois essais proposent une présentation générale de son travail et exposent les problématiques théoriques inséparables de sa pratique. Le livre rassemble également un long entretien avec LaBelle, un projet spécifique (une collection de chansons constituée à partir de souvenirs radiophoniques envoyés par des participants du monde entier), des vues d'installations et leurs notices, le musée d'instruments de l'artiste, les descriptifs des performances enregistrées sur le cd inclus. Brandon Labelle est musicien, artiste, commissaire d'exposition, écrivain et éditeur. Son travail, basé sur l'installation sonore, la performance, l'enregistrement, l'utilisation de sons recyclés et l'environnement dans lequel ils sont diffusés, nourrit une réflexion théorique sur les dimensions sociales de l'écoute et sur la manière dont le son, en de multiples variations, agit sur l'espace public.'
Brandon LABELLE 
'Overhearing and interrupting'
livre, 368 pages + CD
Réf : 9782840668206
38,00 € ^
Textes de Fred Dewey, Edit Molnár, Jeremy Woodruff, entretien avec Brandon LaBelle par Elena Biserna. Édition anglaise, 21 x 28 cm (relié), 368 pages (ill. coul.).
Articulée en huit « épisodes », la monographie de référence de Brandon LaBelle documente un grand nombre d'installations et de scripts réalisés par l'artiste entre 2003 et 2014, des travaux soulevant la question de l'espace, de la communauté et de la valeur politique du social. Trois essais, un entretien, ainsi que l'enregistrement sur CD inclus d'une performance récente, complètent l'ouvrage.
Regroupant un ensemble d’œuvres et d’écrits datant des treize dernières années, cette monographie exhaustive sur l’artiste, écrivain et théoricien américain Brandon LaBelle capture toute l’étendue de sa pratique artistique. Originaire de Los Angeles et résidant désormais à Berlin, LaBelle joue depuis le milieu des années 1990 un rôle de premier plan dans le champ des arts sonores. Adoptant une méthodologie basée sur l'intervention et l'espace, il interroge les formes du discours et de la parole, s'appuyant également sur les notions d'interruption et de partage radical pour élaborer ses mises en scènes publiques et collectives à portée internationale.
La monographie comprend un enregistrement CD d’une performance live réalisée au Club Transmediale Festival à Berlin en 2015, des essais de l'écrivain Fred Dewey, de la curatrice Edit Molnár et du théoricien de la culture Jeremy Woodruff, ainsi qu’un entretien de LaBelle avec Elena Biserna.
Elena Biserna est chercheuse à Locus Sonus, Ecole Supérieure d'Art d'Aix-en-Provence et à l'Ecole Nationale Supérieure d'Art de Bourges.
Ecrivain, éditeur, commissaire d'exposition, enseignant, Fred Dewey est le cofondateur du Neighborhood Councils Movement à Los Angeles. Il a dirigé le Beyond Baroque Literary Arts Center de Los Angeles de 1995 à 2010 et a édité et publié une vingtaine d’ouvrages, sur Ammiel Alcalay, Simone Forti, Jean-Luc Godard, Daniel Berrigan, Abdellatif Laabi, Jack Hirschman, Christoph Draeger, Ed Ruscha, Diane di Prima, etc.
Edit Molnár est curatrice et directrice de la Maison Edith-Russ à Oldenburg.
Jeremy Woodruff est professeur et directeur adjoint de la Neue Musikschule Berlin et professeur en composition au conservatoire KM à Chennai en Inde.
Brandon Labelle est musicien, artiste, écrivain, théoricien, commissaire d'exposition et éditeur (fondateur de Errant Bodies). Son travail, basé sur l'installation sonore, la performance, l'enregistrement, l'utilisation de sons recyclés et l'environnement dans lequel ils sont diffusés, nourrit une réflexion théorique sur les dimensions sociales de l'écoute et sur la manière dont le son, en de multiples variations, agit sur l'espace public. Il établit des connections entre différents médias en introduisant du vocabulaire vidéo, architectural ou sculptural dans un champ plus large de problématiques rhétoriques et spatiales.
Olivier LUSSAC 
'Fluxus et la musique'
livre, 336 pages
Réf : 9782840662563
22,00 € ^
Mine d'or pour tout savoir sur les liens entre Fluxus et la musique. 'Les acteurs de Fluxus, tous musiciens, ont considéré dès le début la pratique du son comme partie intégrante d'un vaste projet expérimental de création destiné à dépasser les catégories artistiques et le cadre de la musique elle-même, pour atteindre ce que George Maciunas appellait des 'buts sociaux, non esthétiques' (c'est-à-dire non soumis à des principes moraux). L'essai d'Olivier Lussac est le premier en langue française à étudier les aspects musicaux (et leurs implications politiques) du mouvement artistique le plus subversif des années 1960. Olivier Lussac est professeur à l'Université Paul Verlaine - Metz (Théorie et pratique des arts plastiques) et chercheur au sein du Centre de Recherche sur les Médiations et de l'Institut d'esthétique, des arts et technologies. Spécialiste de Fluxus, il travaille sur les problématiques de la performance, du happening, de la poésie sonore, des nouveaux médias et du son dans les arts contemporains.' notes de l'éditeur. Livre de format 13 x 17cm. Broché.
Pierre-Yves MACÉ 
'Musique et document sonore. Enquête sur la phonographie documentaire dans les pratiques musicales contemporaines'
livre, 336 pages
Réf : 9782840664994
24,00 € ^
Statut et usages du document sonore dans la musique depuis les débuts de la phonographie. Depuis l'invention en 1877 du phonographe par Edison, il est devenu possible d'archiver, c'est-à-dire de conserver et de mobiliser ce qui jusqu'alors échappait à toute objectivation : la collection infinie des sons du monde. Au même titre que les photographies ont constitué des ' pièces à conviction pour le procès de l'Histoire ' (Benjamin), les phonogrammes ont pu documenter toutes sortes de phénomènes sonores : paroles d'individus célèbres, environnements naturels et urbains, musiques exotiques... À partir d'un choix d'exemples très divers empruntés à la musique contemporaine et à l'art sonore (Steve Reich, Heiner Goebbels, Luc Ferrari, Luigi Nono, Gavin Bryars, Christian Marclay, William Basinski...), Musique et document sonore étudie l'impact de cette problématique documentaire dans le champ de l'œuvre musicale. Volontiers décrit comme un paradigme de l'art autonome, l'objet musical n'en est pas moins poreux, au même titre que toute œuvre d'art, à ces éléments ' impurs ' venus du dehors, qui introduisent du jeu dans l'ordre institué de la syntaxe musicale. Depuis le montage critique jusqu'au field recording en passant par l'anecdote ou la vignette hyperréaliste, le document sonore offre un terrain d'expression à une variété de pratiques jusqu'alors inédites dans le champ musical. Musique et document sonore est un essai tiré de la thèse de doctorat soutenue par Pierre-Yves Macé en 2009 à l'Université de Paris 8. Né en 1980, Pierre-Yves Macé est compositeur et musicologue. Il travaille au croisement de la musique électroacoustique, de la composition contemporaine et de l'art sonore. Il est l'auteur de cinq disques parus sur les labels Tzadik, Sub Rosa, Orkhêstra, Brocoli. Préface d'Elie During. 12,5 x 19 cm (broché), 336 pages.
Christian MARCLAY 
'Snap!'
livre, 368 pages
Réf : isbn 978-2-84066-279-2
25,00 € indisponible ^
“Publié à l'occasion des expositions SNAP ! (Galerie Art & Essai, Université Rennes 2, 7 mai – 14 juin 2008) et Honk if you love silence (Mamco, Genève, 25 juin – 21 septembre 2008). Le premier ouvrage consacré à la pratique photographique de Christian Marclay. Le monde des arts plastiques et celui de la musique ne se croisent pas souvent dans l'ascenseur utopique de l'unité des arts. Ingres et son violon attestent que rares sont les créateurs dont l'œuvre ressortit également à deux arts majeurs. Ainsi en est-il pourtant de Christian Marclay, artiste parfaitement amphibie, aussi bien reconnu comme musicien par les amateurs du sonore que comme plasticien par les connaisseurs du visuel. Platiniste expérimental, les vinyles lui sont un instrument de prédilection. Sculpteur, “installateur”, collagiste, vidéaste, les objets et les images du son lui fournissent également la matière de sa production plastique. Qu'en est-il de la photographie dans la diversité de ses moyens d'expression ? L'objet de cette monographie est d'étudier la place spécifique qu'occupe ce médium dans le travail de Christian Marclay. Du photogramme à l'instantané numérique, en passant par le cyanotype et les clichés trouvés, c'est à toute une histoire de la photographie d'avant-garde – articulée à la question de la phonographie – que se confronte l'artiste. Cet ouvrage offre une vision exhaustive de ses usages de la photographie. Il rassemble des essais critiques et historiques de spécialistes de la musique – Bruno Bossis et Frédéric Dufeu – et de la photographie – Nathalie Boulouch, Clément Chéroux, Noam M. Elcott, ainsi qu'une contribution de l'esthéticienne Marianne Massin. Cet ensemble s'enrichit aussi de deux documents inédits : un entretien avec l'artiste et un texte de John Armleder, de longue date complice de Christian Marclay. Des notices consacrées à ses différentes pièces photographiques complètent cette monographie qui permet de ressaisir l'ensemble de son activité visuelle et musicale : les images fixes de Christian Marclay ont en effet la propriété de synthétiser les concepts qui structurent toute son œuvre. “Plasticien de la musique”, Christian Marclay (né en 1955 à San Rafael, Californie, vit et travaille à New York) a fait œuvre de précurseur, tant sur la scène musicale underground que dans l'art contemporain, en explorant un espace commun aux arts plastiques et à la musique. Au cœur de sa recherche, il combine une multitude de médium tels que son, pochettes d'albums, disques vinyle, bandes magnétiques ou extraits de film. S'il doit partie de sa renommée à la virtuosité de ses montages vidéo et à son activité de performer et de platiniste expérimental, la photographie constitue un autre pan important de sa pratique.”
Phill NIBLOCK 
'Working title'
livre, 520 pages + 2 DVD
Réf : 9782840664239
32,00 € ^
Édition bilingue (français / anglais). 22,5 x 24,5 cm (broché, couv. à rabats). Edité par Phill Niblock et Yvan Etienne. Textes de Phill Niblock, Bob Gilmore, Guy De Bièvre, Johannes Knesl, Mathieu Copeland, Jens Brand, Rob Forman, Seth Nehil, Raphael Smarzoch, Richard Glover, Volker Straebel, Ulrich Krieger, Susan Stenger, Richard Lainhart, Juan Carlos Kase, Erica King, Rich Housh, Alan Licht, Bernard Gendron, Arthur Stidfole. Cette édition présente, à travers une vingtaine d'essais de musicologues, critiques et historiens de l'art, et d'entretiens avec Phill Niblock, un panorama des activités, depuis les années 1960, de l'artiste-musicien new-yorkais, compositeur majeur du courant minimaliste américain et artiste multimédia avant la lettre. Accompagné d'illustrations, de partitions et de 2 DVD double face contenant plus de 8 heures de vidéos, cet ouvrage est la première monographie bilingue consacrée au travail de Phill Niblock. Films de Phill Niblock 'Anecdotes from childhood', 'Remo Osaka', et de Katherine Liberovskaya, un portrait de l'artiste à travers 70 personnes. Phill Niblock (né en 1933 à Anderson, Indiana, vit et travaille à New York et à Gand) est un artiste multimédia travaillant avec la musique, le cinéma, la photographie, la vidéo et les ordinateurs. Depuis le milieu des années 1960, il crée des ' drones ' denses et bruyants. Cette musique, composée de micro-intervalles, est remplie de timbres instrumentaux qui génèrent de nombreuses autres tonalités dans l'espace scénique. Simultanément, il projette des films qui mêlent images réelles et abstraites, crées par ordinateur : il en résulte un flottement dans le temps. A partir de la seconde moitié des années 1960, ses compositions et ses spectacles multimédia sont présentés dans de nombreux lieux à travers le monde (MoMA, New York ; Festival d'Automne, Paris ; Palais des Beaux-Arts, Bruxelles ; Institute of Contemporary Art, Londres ; Akademie der Künste, Berlin ; ZKM, Karlsruhe ; Carpenter Center for the Visual Arts, Harvard ; World Music Institute, Neyw York, etc.) Ancien professeur du College of Staten Island (City University de New York), Phill Niblock est depuis 1985 le directeur de l'Experimental Intermedia Foundation de New York, dont il est artiste / membre depuis 1968. Il est le producteur de Music and Presentation Intermedia depuis 1973 (environ 1000 représentations) et dirige le label XI Records de l'Experimental Intermedia.
Paul PANHUYSEN 
'Le jeu & les règles'
livre, 320 pages + CD
Réf : isbn9782840662181
30,00 € ^
Collection Ohcetecho. Édition bilingue (français-anglais) au format 22,5 x 24,5 cm (broché, couverture à rabats). Édité par Yvan Etienne. Textes de Paul Panhuysen, Jaap Bremer, Yvan Etienne, Michel Giroud, Rahma Khazam, Paul Kuypers, Helga de la Motte-Haber, Rene van Peer, Rolf Sachsse et Louis Ucciani. 'Première monographie consacrée au travail de l'artiste-musicien-compositeur-performer, articulant les différentes facettes d'une oeuvre complexe. Les textes constituent une introduction générale au travail de Panhuysen, et l'abordent sous ses différents aspects (archives, installations sonores, peintures, installations in situ, jeux, activités du collectif Het Apolohuis, positions théoriques de l'artiste). Le livre présente en images les expositions. Le CD audio Small Samples, Many Pieces, réalisé à partir de divers matériaux sonores (animaux, objets, instruments, compositions et improvisations, sons acoustiques, amplifiés, électroniques), complète cette approche en rendant compte de l'importance de l'élément sonore dans les installations, de sa complémentarité avec l'image, et de la multiplicité des sources, essentielle au travail de l'artiste.'
Matthieu SALADIN 
'Esthétique de l'improvisation libre. Expérimentation musicale et politique'
livre, 400 pages
Réf : 9782840664710
26,00 € ^
L'improvisation comme expérimentation musicale et expérimentation politique (essai).
À travers l'étude des trois ensembles AMM, Spontaneous Music Ensemble et Musica Elettronica Viva, ce livre analyse l'esthétique de l'improvisation libre au tournant des années 1960-1970 en Europe, période d'émergence de cette pratique au sein des musiques expérimentales. Les problématiques essentielles qui structurent le processus de création de l'improvisation libre y sont tour à tour abordées : les rapports à la liberté et aux règles, à la mémoire et aux habitudes, l'in situ, la création collective ou encore l'expérimentation musicale. Cet essai se concentre également sur la relation qui unit l'émergence de cette pratique et son contexte sociohistorique afin de considérer ce que l'on pourrait appeler la 'politique' de l'improvisation, caractérisée par l'a priori démocratique qui la sous-tend et l'émancipation musicale à laquelle elle prétend conduire les musiciens qui s'y engagent. Il apparaît alors que l'expérimentation à l'œuvre dans la pratique de l'improvisation libre ne saurait être réduite à la seule recherche musicale abstraite, détachée des contingences du monde, mais qu'elle se doit d'être envisagée comme double, répondant d'une dualité constitutive : à la fois expérimentation musicale et expérimentation politique.
Membre du comité de rédaction de la revue de recherche Volume ! (éditions Seteun), de Revue & Corrigée et directeur de rédaction de la revue Tacet, Matthieu Saladin est spécialiste des musiques expérimentales. Il enseigne la philosophie de l'art à la Haute Ecole des Arts du Rhin et participe à l'équipe de recherche Musique et Arts Sonores, Institut ACTE (Université Paris 1, Panthéon-Sorbonne/CNRS). Sa pratique artistique se présente sous différentes formes, de l'installation, sonore ou non, à la publication, en passant par la conception de logiciels, la performance, la vidéo et la conférence. Elle relève d'une approche conceptuelle, réfléchissant sur l'histoire des formes, des processus de création et des constructions sociales, ainsi que sur les rapports entre art et société du point de vue économique et politique.
Collection Ohcetecho. Édition française. 13 x 17 cm (broché, jaquette américaine, couv. en affiche pliée).
TACET N°3 
'De l'espace sonore'
livre, 448 pages
Réf : 9782840667179
20,00 € ^
Numéro dirigé par Yvan Etienne, Bertrand Gauguet et Matthieu Saladin. Publié avec la Haute école des arts du Rhin. Édition bilingue (français / anglais), 16 x 23 cm (broché), 448 pages (ill. n&b). Le troisième numéro du livre-revue annuel de recherche dédié aux arts sonores (au croisement des approches artistiques, musicales et musicologiques, esthétiques, philosophiques, politiques et socioculturelles au sens large), consacré à la question de l'espace sonore : articles de fond, textes de réflexion, documents, recensions critiques, comptes-rendus... Au sommaire : les problématiques de la propagation et de la perception du son dans l'espace, à travers le travail de Alvin Lucier et Michael Asher, deux artistes majeurs qui très tôt s'y sont confrontés ; deux études abordant la dimension politique de l'espace sonore (Seth Cluett et Jeffrey Mansfield) et une investigation sur l'espace sonore compris comme espace social à travers l'étude de manifestations récentes d'art sonore déployées dans l'espace urbain (Michael Gallagher, María Andueza Olmedo) ; des textes où l'écoute de l'espace sonore devient également une réflexion sur l'espace de l'écoute (Arthur Stidfole, Jean-Luc Guionnet et Éric La Casa, Christina Kubisch) ; un extrait des archives de la compositrice Maryanne Amacher, les croquis d'une installation de Paul Panhuysen, une chronologie de l'espace sonore (Yvan Etienne, Brice Jeannin et Matthieu Saladin), depuis l'invention du phonographe, sous la forme d'un poster ; Douglas Kahn, Emmanuel Holterbach, Christian Wolff, Paul Hegarty, Ivana Miladinovi Prica, Tom Mays... Tacet est une nouvelle revue de recherche dédiée aux arts sonores et aux musiques expérimentales. À parution annuelle et bilingue (français, anglais), elle a pour ambition de créer un espace de réflexion interdisciplinaire et international sur ces pratiques, comprises dans leur diversité esthétique. Tacet, comme l'a si bien exposé John Cage dans 4'33", désigne un moment de silence observé par un instrumentiste pendant toute la durée d'un mouvement. Par extension, il devient, en tant que titre de la revue, un moment d'introspection, de réflexivité et de réflexion, où la musique s'interrompt pour laisser place à la recherche et au questionnement théorique. Tacet compte ainsi, à l'endroit des arts sonores et des musiques expérimentales, contribuer au renouvellement de la recherche théorique en confrontant et croisant des discours d'artistes et de musiciens, des études issues de l'esthétique et de la philosophie de l'art, du renouveau critique en musicologie, des cultural studies et des gender studies, de la pensée politique, des sciences sociales, ou encore de la géographie.
TACET N°4 
'Sounds of Utopia / Sonorités de l'utopie'
livre, 560 pages
Réf : 9782840667773
20,00 € ^
Édition bilingue (français / anglais). 16 x 23 cm (broché, couv. à rabats). 560 pages (ill. n&b).
Le quatrième numéro du livre-revue annuel de recherche dédié aux arts sonores (au croisement des approches artistiques, musicales et musicologiques, esthétiques, philosophiques, politiques et socioculturelles au sens large), consacré à la question des relations entre arts sonores, musiques expérimentales et utopies : articles de fond, textes de réflexion, documents, recensions critiques, comptes-rendus...
L'utopie appartient à ces concepts qui hantent l'histoire des idées comme des pratiques artistiques. Dans ce quatrième numéro, Tacet se met à l'écoute des sonorités de l'utopie pouvant émerger des arts sonores et des musiques expérimentales, mais aussi du design sonore et de nos usages quotidiens des technologies audio. Mêlant récits de science-fiction, analyses théoriques et écrits d'artistes, ce dossier aborde tour à tour les devenirs utopiques et dystopiques de nos cultures sonores, l'expérience d'un lieu autre ouverte par l'écoute schizophonique de l'enregistrement, les implications sociales et esthétiques liées au principe de clôture qui caractérise l'utopie, les positions critiques du rapport au monde sonore et aux cultures musicales de certains expérimentateurs, ou encore le rôle des technologies dans l'imaginaire des sonorités de l'utopie.
Dossier dirigé par Matthieu Saladin, avec des textes de Cornelius Cardew, J. G. Ballard, François J. Bonnet, pali meursault, Em'kal Eyongakpa & Amal Alhaag, Scott Gleason, Andy McGraw, Henry Flynt, Christophe Levaux, Francis Heery, Jonathan Sterne, Filipe Barros Beltrao & Andrew Gray, Pascal Broccolichi, Thibault Walter, Anne Zeitz, Loïc Bertrand, Luc Ferrari, Xavier Hug, G Douglas Barrett.
Tacet est une nouvelle revue de recherche dédiée aux arts sonores et aux musiques expérimentales. À parution annuelle et bilingue (français, anglais), elle a pour ambition de créer un espace de réflexion interdisciplinaire et international sur ces pratiques, comprises dans leur diversité esthétique.
Tacet, comme l'a si bien exposé John Cage dans 4’33”, désigne un moment de silence observé par un instrumentiste pendant toute la durée d'un mouvement. Par extension, il devient, en tant que titre de la revue, un moment d'introspection, de réflexivité et de réflexion, où la musique s'interrompt pour laisser place à la recherche et au questionnement théorique.
Tacet compte ainsi, à l'endroit des arts sonores et des musiques expérimentales, contribuer au renouvellement de la recherche théorique en confrontant et croisant des discours d'artistes et de musiciens, des études issues de l'esthétique et de la philosophie de l'art, du renouveau critique en musicologie, des cultural studies et des gender studies, de la pensée politique, des sciences sociales, ou encore de la géographie.
Tacet s'inscrit dans la collection Ohcetecho aux Presses du réel (comité éditorial : Matthieu Saladin et Yvan Etienne).
Pierre TILMAN 
'Robert Filiou, nationalité poète'
livre, 304 pages
Réf : isbn 2840661160
12,00 € ^
Cette biographie du Filliousophe par Pierre Tilman (poète-artiste) brosse l'épopée d'un inventeur en tous genres, qui, des années 60 aux années 80, transforma la poésie, le théâtre, le film et l'art, ouvrant un vaste domaine illimité à la disposition de chacun, capable d'incarner son ' do it ' : poïpoïdrome, galerie légitime (dans sa casquette), Territoire de la République géniale, Autrisme, Eternal Network, Principe de l'Équivalence (bien fait = mal fait = pas fait), L'anniversaire de l'art, Commemor (échange de monuments aux morts), Biennale de la Paix (avec Beuys) Teaching and Learning as Performing Arts (une nouvelle pratique et théorie de l'enseignement), Économie poétique, Musique télépathique, Cucumberland, Recherches en futurologie. Taoïste de gauche, gaga, yogi, Robert Filliou est l'artiste des poètes et le poète des artistes ; il a consacré sa vie aux échanges permanents avec Emmet Williams, Ben Patterson, Jean Dupuy, Ben, George Brecht, Daniel Spoerri, Dorothy Ianonne, Joachim Pfeufer, Dick Higgins, Takako Saïto, Alison Knowles, avec la planète fluxus et bien d'autres. Cette biographie est conçue comme une suite de scénarios qui évoquent avec simplicité les aventures de Robert le sage, de Robert le fou, de Robert l'ami, de Robert bouddha. En 1964, il écrit Le Filliou idéal. Pierre Tilman est né en 1944 dans le Var. Il a co-fondé la revue Chorus (1968-1974) avec Franck Venaille, Daniel Biga et Jean Pierre Le Boul'ch. Il a publié plus d'une trentaine de livres, et propose régulièrement des expositions.
Peter VOGEL 
'Partitions de réactions'
livre, 152 pages + CD
Réf : isbn 9782840663263
20,00 € ^
Publié avec l'Espace Multimédia Gantner. Édition française et broché de format 17,5 x 23,5 cm. 'Artiste emblématique des arts sonores et de l'art cybernétique, Peter Vogel (né en 1937 à Fribourg) crée des installations et des sculptures sonores lumineuses interactives constituées de systèmes électroniques réagissant à leur environnement, en particulier à la présence, aux mouvements et aux bruits des visiteurs de ses expositions. L'artiste allemand, qui a d'abord mené une carrière de physicien puis de chercheur en neurosciences, développe ainsi une esthétique de l'interaction et entraîne le spectateur dans un processus créatif aléatoire.' Plus un CD audio avec différentes installations.